«Nature morte aux morceaux de viande» ---»»»
Cette toile de Chardin est datée de 1730. C'est une époque où l'artiste inventa un nouveau type de peinture : les natures mortes assemblées dans les intérieurs de cuisine. L'artiste réunissait chaudron et pichet (comme ci-contre), poêles, ustensiles ; y joignait des légumes, des fruits, de la viande et disposait le tout sur une table, souvent enrichie d'un morceau de tissu. Le «métier» consistait alors à jouer sur les rendus d'ombres et de lumières.
Denis Diderot, critique acerbe des expositions de l'époque, eut beaucoup d'admiration pour lui et le surnomma le grand magicien à l'occasion du Salon de 1765.

«Auguste se fait prêter serment de fidélité par des princes barbares».
Cette toile de 259x422 cm illustre un passage de la Vie d'Auguste relaté par Suétone dans la Vie des douze Césars. En prêtant fidélité à l'empereur sur le forum devant la statue de Mars, les rois barbares devaient aussi laisser leurs femmes en otages. Globalement, la politique de sagesse d'Auguste (qui souvent rendit les femmes à leurs époux) suscita des alliances avec des peuples comme les Scythes ou les «Indiens» pour reprendre les termes des historiens romains.
Ce tableau se voulait le pendant de celui du peintre Dandré-Bardon (1700-1783) accroché dans la salle d'audience de la Cour des Comptes de Provence. Ce dernier, daté de 1729, illustrait Auguste punissant les concussionnaires, une sorte de rappel de la bienveillance de Louis XV.
Séjournant à Aix en 1735, Van Loo s'inspira visiblement de la composition de son confrère de l'Académie, mais y mit une touche baroque.
Selon Marc Favreau (Guide des collections du musée), Auguste se faisant prêter serment est une allusion claire à la politique de Louis XV et à l'instabilité parlementaire sous le ministère du cardinal Fleury.
Dans ses dernières années, la santé de Van Loo se dégrada. À sa mort, sa toile resta inachevée.

Les toiles de Johann Zoffany.
Les toiles de ce peintre allemand sont rares. On en compte trois en France : deux à Bordeaux et une au Louvre. Celles de Bordeaux (données ci-dessus) sont des pendants de 125x172 cm. On y voit des personnages en frise, c'est-à-dire disposés sur le même plan à côté de Vénus, dans une conception très classique.
Il est possible que le triton porte les traits du peintre, rapporte Marc Favreau dans le Guide des Collections du musée.

«Héro et Léandre».
Jean-Joseph Taillasson (1745-1809) était un habitué du Salon. Cette toile présentée en 1798 étale l'étendue de sa palette néo-classique.
Le mythe antique d'origine grecque raconte que Léandre avait l'habitude de traverser l'Hellespont pour retrouver Héro, prêtresse d'Aphrodite. Il se guidait grâce à une torche au sommet d'une tour. Un jour, la torche s'éteignit et Léandre se noya. Désespérée à la vue de son corps échoué sur la plage, Héro se jeta du haut de la tour.

«Phèdre et Hippolyte».
Cette toile datée de 1815 est une copie (sans aucune variante et au format réduit) de l'original exposé au musée du Louvre. La taille de l'original est de 257x335 cm ; la copie est de 134x174 cm. La scène est inspirée de la tragédie de Racine.
Phèdre voue un amour caché à son beau-fils Hippolyte. Jouant de duplicité, elle amène son époux, Thésée, qui est aussi le père d'Hippolyte, à croire l'inverse et à croire aussi que le jeune homme a même tenté d'abuser d'elle. Furieux, Thésée demande alors à Neptune de punir son indigne fils. Hippolyte est tué sur la plage par un monstre sorti des eaux. L'apprenant, Phèdre, consciente de sa faute, s'empoisonne.
La scène peinte est une vue d'artiste, elle n'existe pas dans la pièce.

«Embarquement de la duchesse d'Angoulême à Pauillac».
Au retour des Bourbons, le peintre David partit en exil en 1816. Gros, qui travaillait dans son atelier, en prit alors la direction. Son soutien à la monarchie lui valut deux commandes officielles : Le Départ de Louis XVIII des Tuileries (1817) et L'Embarquement de la duchesse d'Angoulême (1818).
Marie-Thérèse de France était la fille aînée de Louis XVI. Bien qu'emprisonnée au Temple, elle survit à la Révolution et épouse son cousin germain, le duc d'Angoulême en 1799. Influente sous la Restauration, elle fuit la France en 1815 au retour de Napoléon. La toile la présente quittant Pauillac pour l'Angleterre en laissant à tous ceux qui soutiennent sa cause, le panache blanc de son chapeau, promesse de son retour.
Si le coloris de la toile, qui rappelait la griffe de Rubens, fut loué par la critique, la présence, sur la gauche, des deux matelots en partie dénudés fut blâmée.

«La Grèce sur les ruines de Missolonghi».
Cette toile de 213x142 cm compte parmi les œuvres phares du musée. En 1821 commence la guerre d'indépendance de la Grèce contre l'empire turc. L'intelligentsia européenne s'enthousiasme pour cette quête de liberté, notamment Chateaubriand et le poète anglais Byron. La mort du poète à Missolonghi en 1824 et la chute de la ville en 1826 bouleversent les consciences. Delacroix peint alors, au profit de la cause hellénique, une allégorie de la Grèce en costume traditionnel sur les ruines de la ville. Dans le bas du tableau, le bras d'un mort sort des décombres, tandis qu'un janissaire victorieux brandit sa lance à l'arrière-plan.
Fidèle à la vague romantique de cette époque, la poitrine dénudée de la jeune femme ajoute un accent érotique au sein des ruines et de la mort.
La critique n'apprécia pas beaucoup la composition qui reçut néanmoins les louanges de Victor Hugo.

«La Mort de Sapho».
Selon la légende, Sapho est morte en se jetant dans la mer. Au-dessus d'elle, Cupidon pleure de désespoir.

«Trait de dévouement du capitaine Desse».
C'est un événement à la gloire des marins bordelais. En 1822, au large de l'Afrique du Sud, le navire La Julia, parti de Bordeaux et commandé par le capitaine Pierre Desse, sauve les marins du Colombus, un navire hollandais fracassé par une violente tempête. L'opération dura cinq jours et sauva quatre-vingt-douze personnes vouées à une mort certaine.
Avant les temps modernes, les gens «de la terre ferme» ignoraient tout de la violence des flots lors des tempêtes, même si certaines accablaient les rivages. Au XVIIIe siècle, Joseph Vernet réalisa quelques toiles de la mer en furie, détruisant les navires sous les yeux désespérés des naufragés. Exposés dans les Salons, ces tableaux suscitaient effroi et émotion chez les visiteurs qui ne connaissaient rien de la mer. Les tempêtes peintes par Vernet impressionnèrent beaucoup Denis Diderot qui en conçut une forte admiration pour l'artiste.

«La Toilette de Vénus».
Cette toile pourrait être une merveilleuse illustration de ces deux célèbres vers de Corneille dans Polyeucte (Acte I, scène 1) :
Vous me connaissez mal, la même ardeur me brûle,
Et le désir s'accroît quand l'effet se recule.

«Mozart expirant».
Cette œuvre s'inscrit dans la tradition funéraire italienne. Des artistes (français, ceux-là) ont ciselé un Molière mourant (1882) et un Berlioz mourant (1892).

«L'incendie du steamer Austria».
Cette toile de 242x430 cm relate un drame survenu en 1858 en plein Atlantique. L'Austria était un clipper effectuant le transport de passagers entre l'Europe et l'Amérique. Il partit de Hamboug pour New York avec 538 passages et hommes d'équipage.
Au cours de la traversée, les autorités du navire décidèrent de fumiger l’entrepont avec de la vapeur de goudron. Une opération très périlleuse. Pour obtenir l'évaporation, un marin se servit d'une chaîne rougie au feu. Alors qu'il tenait l'une des extrémités dans sa main, l’autre, brûlante, lui échappa. Le fer rouge tomba sur le pont et mit immédiatement le feu au goudron qu'on y avait versé.
L'équipage se révéla impuissant à étendre l'incendie qui ravageau tout le bateau. Les passagers seront livrés à eux-mêmes. Malgré les secours rapides apportés par un trois-mâts de Terre-Neuve, le drame fit 433 victimes.

Le scandale de «Rolla» d'Henri Gervex (1878).
Jacques Rolla est le personnage d'un poème d'Alfred de Musset paru en 1833. Subitement ruiné, il décide de se suicider après une dernière nuit d'amour avec sa maîtresse Marie, une adolescente de quinze ans.
En 1878, si le nu était accepté par les académiciens qui sélectionnaient les tableaux pour le Salon, c'est le sens second, trop apparent, de l'œuvre qui fut jugé inacceptable : la dépravation, l'immoralité d'un homme poussé à la mort par une vie de débauche.
Le corps de la jeune femme répondait aux exigences de l'art du nu : la beauté de la peau ; l'absence de pilosité ; l'inertie du sommeil. Mais l'entassement des vêtements à côté du lit suggérait l'inacceptable : la prostitution mise à profit par un débauché à une époque où les ligues de moralité s'élevaient contre l'hédonisme hérité du Second Empire. Il ne fallait pas peindre le vice caché de la bourgeoisie !
Dans son ouvrage Les Grands Scandales de la peinture, Gérard Denizeau donne une seconde cause du scandale : Henri Gervex ferait ici allusion à sa liaison, connue du Tout-Paris, avec la courtisane Valtesse de la Bigne. Cette jeune personne collectionnait les amants (banquiers, artistes fortunés). Elle était aussi modèle de Manet et inspiratrice de Zola, notamment pour son roman Nana. On acceptait de voir Valtesse fréquenter les beaux hôtels particuliers de la capitale, mais pas question de l'exhiber au Salon !
Exclue par les académiciens défenseurs de la morale, «Rolla» fut exposée trois mois chez le galeriste Bague... et reçut «un défilé incessant de visiteurs», comme Gervex le rappela lui-même dans un entretien en 1924.
Notons que c'est une dénommée Ellen Andrée, blonde de son état, qui posa pour le peintre. Mais, avec un corps allongé dans une position si lascive, elle refusa de montrer son visage. C'est une autre jeune femme, brune cette fois, qui posa.
Dimension de la toile : 175x220 cm.

   «Rolla se retourna pour regarder Marie.
   Elle se trouvait lasse, et s'était rendormie.
   Ainsi tous deux fuyaient les cruautés du sort,
   L'enfant dans le sommeil, et l'homme dans la mort !
   (Rolla, Alfred de Musset)

L'«art» contemporain.
L'«art» contemporain subit de vives critiques. On ne peut s'empêcher de penser que ces peintres, qui ont sans doute un réel talent, se contentent du médiocre. Depuis l'apparition de la photographie il est vrai, il ne sert pas à grand-chose de peindre ce qu'une photo peut reproduire. Il faut donc faire preuve d'imagination et s'écarter du réel. Il n'empêche. Où est le Beau là-dedans ? Les dessins d'êtres humains sont loin d'être à l'honneur de leurs auteurs. Même chose souvent pour les sculptures.
Si l'on définit un bourgeois comme un esclave du qu'en-dira-t-on de sa classe sociale, alors l'art contemporain est un art bourgeois : dans un musée, il faut dire qu'une toile est belle pour que les bourgeois qui entendent soient satisfaits et donnent leur estime à leur compère de classe. On crée ainsi un monde d'hypocrisie et de peur où les gens véhiculent le mensonge. Et qu'importe la valeur des œuvres...
Seule compensation : quand une toile se rattache à certaines écoles comme l'impressionnisme ou le cubisme, on peut déceler une recherche dans les formes ou les couleurs, une certaine application dans les traits. Ces points, qui sont à l'évidence travaillés, peuvent susciter quelque intérêt.
Ceux qui se définissent comme «artistes contemporains» doivent se défier de l'application à eux-mêmes d'un pastiche de ce que disait Cicéron à propos des augures : «deux artistes contemporains ne peuvent se regarder sans rire».