«La sibylle de Tibur» Les douze sibylles constituent le seul élément commun entre la mythologie gréco-romaine et la mythologie chrétienne. Et ce thème de la sibylle de Tibur se rencontre fréquemment dans les musées. L'empereur Auguste, qui est monté sur le Capitole en compagnie d'une sibylle, se demande s'il doit accepter la proposition du sénat romain de le déifier. Il pose la question à la sibylle : «Y aura-t-il un souverain plus important que moi ?» Celle-ci a une vision. Elle voit une femme, dans le ciel, qui tient son enfant. Et elle répond à l'empereur : «Ceci est l'autel du ciel» (Ara Cœli). Cette femme dans le ciel a été interprétée par la suite comme étant la Vierge avec l'Enfant Jésus. La sibylle de Tibur annonce la victoire du christianisme sur le paganisme.
On pourra se reporter avec intérêt à l'œuvre du XVe siècle de Konrad Witz au musée des Beaux-Arts de Dijon. Le peintre y a choisi de concevoir la vision en un simple symbole puisqu'elle n'est pas apparente dans sa toile.

«Le Repos de Diane» On observe dans cette scène (donnée en gros plan ci-contre) une servante en train de délacer le soulier de la déesse. Au XVIIIe siècle, les artistes français avaient l'habitude de représenter Diane et Vénus, dans leur repos ou leur toilette, en compagnie d'un personnage qui délaçait leur soulier ou lavait leur pied. Ce pouvait être un angelot ou simplement une servante. Voir à ce sujet les deux biscuits de porcelaine créés par Louis-Simon Boizot à la page de la Cité de la Céramique de Sèvres.

Les Fantaisies d'architecture de Gherardo Poli (1674-après 1739). Le musée des Beaux-Arts de Nancy possède quatre toiles de ce peintre florentin qui s'était fait une spécialité des œuvres divertissantes de la pittura giocosa. Ce style léger envahit la Toscane au XVIIIe siècle et regroupa des artistes comme Callot et Giovanni Domenico Ferretti. Dans ses quatre toiles (trois sont données ici), Poli s'amuse à représenter des personnages minuscules au pied de ruines romaines gigantesques et enrichies de statues monumentales. On y décèle un mélange adroit de maniérisme et de style rocaille. Ces toiles sont présentées comme les chefs-d'œuvre de Gherardo Poli.
Source : panneau dans le musée.

«Tobie conduit par l'ange». Pour aider son père devenu aveugle, un jeune garçon doit aller chercher au loin un poisson qui possède un fiel guérisseur. Un inconnu, en fait l'archange Raphaël, l'accompagne lors de ce long voyage. Les historiens voient dans cette présence de Raphaël l'une des premières manifestations de l'ange gardien dans l'art.
Source : panneau dans le musée.
On pourra se reporter à une toile du même thème dans l'église Saint-Eustache à Paris.

«Le Songe de Jacob». Ce thème classique de l'art religieux montre une échelle appelée échelle de Jacob. Des anges montent et descendent entre la terre et les Cieux : ils assurent la liaison entre Dieu et les hommes. C'est pourquoi, dans la hiérarchie céleste du Pseudo-Denys, les anges et les archanges occupent les rangs inférieurs, loin derrière les séraphins et les chérubins qui se consacrent au service de Dieu.
Avec la présence de Jacob, le mythe rappelle la promesse divine, déjà faite à Abraham et Isaac, que leurs descendants posséderont leur propre terre.

«Jonas jeté à la mer».
Jonas dans le ventre de la baleine est un thème connu. Rappelons que Jonas a reçu l'ordre de Dieu de prêcher le repentir aux habitants de Ninive. Effrayé par la tâche, il s'est enfui à bord d'un bateau. Survient une forte tempête. Pour alléger le navire, l'équipage jette la cargaison à la mer. Sans effet. Tout le monde, sauf Jonas, supplie alors son dieu de calmer les flots. Mais Jonas a fait savoir, en embarquant, qu'il fuyait le sien. Il se sait coupable et demande à l'équipage de le jeter par-dessus bord. Ce qui est fait. Aussitôt la tempête se calme. Jonas est ensuite avalé par un gros poisson et passe trois jours dans son ventre à faire pénitence. Sur ordre divin, le poisson le rejette. Finalement, Jonas ira prêcher la bonne parole dans la ville pécheresse.

«La Vierge à l'Enfant accompagnée par deux anges» Le panneau de présentation de ce tableau souligne le travail en perspective du peintre : toutes les lignes obliques de la moitié supérieure convergent vers le nœud de la ceinture de la Vierge, symbole de sa virginité.

«««--- «Sainte Famille avec saint Jean-Baptiste et sainte Élisabeth»
Giovanni Bezzi dit Nosadella (vers 1530-1571)
Huile sur bois.

«««--- «Jésus marchant sur les eaux»
Pierre-Paul Rubens (1577-1640)
Huile sur bois, vers 1618.

«La Transfiguration». En opposition au récit biblique, Rubens a choisi d'illustrer la scène avec une nombreuse assistance. Cette toile, destinée à la chapelle axiale de l'église jésuite de Mantoue, est une de ses premières commandes. Rubens s'inspire ici fortement de Raphaël. La jeune femme au centre et au premier plan est la seule à porter un costume du XVIIe siècle. Elle symbolise l'actualité du message de la foi. Source : panneau dans le musée.

«««--- «La Passion du Christ», détail.
Attribué à Lucas de Leyde (1494-1533).

Cette toile est la transposition en peinture d'un dessin
d'Albrecht Dürer de 1505, Le Grand Calvaire.

«Ne me touche pas». Ce thème très connu de la vie de Jésus mêle ici personnages, animaux et végétation. Brueghel II excellait dans la représentation des végétaux et des animaux. Pour les personnages, il est aidé de Jacob Jordaens et, sans doute, de Lucas Van Uden pour le paysage de l'arrière-plan.
Source : panneau dans le musée.

«Madeleine pénitente». L'auteur de ce tableau n'est pas certain. Le style rappelle celui de Simon Vouet, mais on note «une robustesse et une radicalisation de la ligne» qui pourrait le faire attribuer à Nicolas Chaperon, l'un de ses proches élèves. Ce qui est d'ailleurs conforté par la représentation particulière des mains, une façon de dessiner que l'on trouve dans d'autres de ses toiles.
Ce tableau était vraisemblablement une commande d'un amateur d'art pour sa dévotion privée.
Source : panneau dans le musée.

«L'Assomption». Ce tableau a été exécuté pour la duchesse de Montpensier (la Grande Mademoiselle) pour son château de Choisy-le-Roy. Il était destiné au décor de la chapelle.

«Jeune fille et la Mort». Cette toile est une interprétation du mythe d'Orphée qui va chercher Eurydice aux Enfers. C'est la reprise d'une œuvre de ce même artiste, Eurydice, peinte en 1891. Dans la toile ci-dessus, Eurydice vient d'être piquée par un serpent et l'Ange de la Mort l'enlace pour l'emporter. Plus qu'Orphée agenouillé à droite, c'est avec la Mort qu'Eurydice semble constituer le véritable couple du tableau. Ce thème, très romantique, fut fréquemment repris par les artistes de la fin du XIXe siècle. Source : panneau dans le musée.

«Devant la psyché». Cette toile a été présentée au Salon national des Beaux-Arts de 1914. On peut donc considérer qu'elle est terminée. Cette précision est importante car l'arrière-plan pourrait faire penser le contraire. Le beau nu féminin académique offre un contraste saisissant avec cet arrière-plan de style impressionniste. Au début du XXe siècle, on retrouvait cette opposition dans de nombreuses toiles naturalistes. Une psyché est le nom donné à un miroir indépendant sur pied. Les femmes qui s'admirent devant leur psyché est un thème courant de la peinture dans les salons de la Belle Époque, notamment vers 1912-1914. Source : panneau dans le musée.

«La Douleur ». On ne sait de quel enterrement il s'agit. Mais le côté amusant de cette toile est que l'artiste s'est appliqué à y faire entrer ses contemporains à l'arrière-plan : le notaire Gustave Paul, le peintre Louis Guingot, le botaniste Le Monnier, l'ébéniste Camille Gauthier et le maire de Nancy, Hippolyte Maringer ! Source : panneau dans le musée.

«La Toussaint». Cette toile de 1888 obtint un prix spécial au Salon de 1889. La même année, Émile Friant était couronné d'une médaille d'or à l'Exposition universelle de Paris. Il n'avait que vingt-six ans. D'abord exposé au musée du Luxembourg, la toile ci-dessus revint au musée des Beaux-Arts de Nancy à la mort de l'artiste. La scène illustre l'entrée d'une famille bourgeoise au cimetière de Préville à Nancy, le jour de la Toussaint. Les visages ont vraisemblablement été peints d'après photographies.
Source : panneau dans le musée.

«««--- Ces deux panneaux décoratifs Art nouveau proviennent
de l'hôtel Chevallier, avenue de Messine à Paris.